Hoy Gloria Estefan cumple 56 maravillosos años, por eso quiero dedicar esta entrada a todos sus fans y especialmente a los que he conocido a través de los años. Entre ellos a Isa Garnateo, Ignacio Sánchez, Carolina Poza, Rubén Fernández, Miriam Fernández, Joaco Sánchez, Marilú Biondi, David Cordero, Aarón Cuevas, Gorane Cantalapiedra, Carlos González Jr., Óliver García, Felipe Blanco, Claudinei Oliveira, Ascen Gómez, Pedro Vega, Raúl del Águila, Vero y Luisa Carnicero y a todos aquellos otros con los que también he compartido momentos de locura, risas, esperas, rumores, quedadas, fotos y sobre todo, una gran afición como ha sido y es seguir la carrera de tu artista favorito.
Aunque muchos identifiquen el nombre Miami Sound Machine con un grupo de tres exuberantes chicas latinas surgidas a principios de los 2000 siguiendo la estela de Destiny's Child, lo cierto es que la agrupación original formada en los 70 la integraban la archiconocida Gloria Estefan, su prima Merci Navarro, Emilio Estefan -marido de Gloria-, Rául Murciano, Enrique "Kiki" García y Juan Marcos Ávila.
La banda, creada bajo el liderazgo de Emilio Estefan en Miami a mediados de los años 70 con el nombre Miami Latin Boys, cambió su denominación a Miami Sound Machine cuando Gloria y Merci se unieron al conjunto en 1975. Antes de lanzar el disco que hoy nos ocupa, publicaron otros cuatro: Renacer / Live Again (1977), Miami Sound Machine -con dos versiones diferentes, en inglés y español- (1978) y Miami Sound Machine -conocido popularmente como The Piano Album- (1980) consiguiendo en pocos años lograr un gran éxito en Florida y sobre todo en América Central y Sudamérica con temas como Renacer o Regresa A Mí.
Si bien los primeros elepés reflejan una producción más pobre, Otra Vez supone un gran ascenso en la calidad musical y el sonido de la agrupación, probablemente por ser también el primero con una gran discográfica, CBS -que se convertiría posteriormente en Sony-. En Otra Vez, al igual que sus predecesores, ya se incluía la mezcla de pop, rock, música latina y soul con la que Miami Sound Machine alcanzaría la fama mundial tan sólo unos años después cantando en inglés. Estos álbumes fueron, sin duda alguna, el germen del conocido "Sonido Miami" y la base de lo que casi dos décadas más tarde se conocería como "Latin Boom" tras el éxito de artistas como Ricky Martin, Jennifer Lopez, Marc Anthony o Shakira.
Otra Vez incluía, como en anteriores producciones, versiones de otros artistas adaptadas a español: así el popular Lança Perfume de la brasileña Rita Lee se convirtió en Baila Conmigo mientras que la dulce balada de Paul Anka Think I'm In Love Again fue transformada por Gloria Estefan en Me Enamoré. Precisamente este tema, en su versión original en inglés, ha sido grabado nuevamente por el veterano artista canadiense junto a Gloria en el reciente disco Duets (2013).
Hay que destacar también que Gloria no sólo adaptó estas versiones a español para Otra Vez sino que contribuyó con una composición propia, Quiéreme Más, y con un tema co-escrito con Wesley Wright -guitarrista del grupo-, Has Logrado Olvidar. Otro corte interesante es Quedemos Como Amigos de la puertorriqueña Mary Lynne Pagán, que había formado parte del cuarteto femenino de los 60 y 70 "Las Caribelles". Pagán también escribió temas para otros artistas, como el grupo adolescente Menudo (Ricky Martin).
El disco supuso la consagración del grupo en el mercado hispano y de él se desprendieron los hits Otra Vez, Sola, Me Enamoré y Baila Conmigo. Fue también en esta época cuando la tímida Gloria comenzó a dejar de esconderse entre timbales para ser la mayor atracción de la agrupación, gracias a la firme convicción de su marido Emilio de convertirla en una estrella. Esto, unido a ciertos desacuerdos entre los miembros de Miami Sound Machine Raúl Murciano y Merci Navarro -que eran pareja- con Emilio y Gloria por el reparto de acciones que la CBS les había dado como pago, supuso la salida de Miami Sound Machine de los dos primeros. Quedándose el grupo con cuatro de los seis miembros originales: Emilio, Gloria, Juan Marcos Ávila y Enrique "Kiki" García.
Otra Vez es actualmente un disco de coleccionista para los fans de Gloria, Miami Sound Machine y los sonidos funk, disco y latinos de los 80, ya que se encuentra descatalogado prácticamente desde su publicación. Quizá una caja con la discografía de Miami Sound Machine anterior a 1984 remasterizada sacaría del olvido y acercaría al gran público estas pequeñas joyas.
Vuelvo al mundo blog después de una etapa de constantes cambios y qué mejor forma de hacerlo que de la mano de la artista que me ha acompañado toda la vida. Gloria Estefan prepara nuevo lanzamiento discográfico –una colección de versiones jazz y soul de clásicos de los años 30, 40 y 50- por lo que hoy quiero recordar su primer disco de standards: Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, publicado a finales de 1994.
Siempre he sentido especial predilección por este álbum, tan alejado del sonido Miami, que me llamó la atención desde muy pequeño por la sencillez de la fotografía de portada. Menos es más, que diría Van der Rohe. Elegancia pura, no tengo otra forma de definirla. Lo gracioso de esto es que muchos años después descubrí que durante la sesión de fotos, realizada por Alberto Tolot -y en concreto para la realización de esta fotografía- Gloria se subió en dos latas de conserva de tomate para estilizar su figura. ¡Estefan, eres única!
Os llamará la atención que Gloria publique otro segundo volumen de standards. No es que Estefan haya decidido convertirse en una lady crooner y vivir de los éxitos de otros constantemente pero, con la perspectiva que da observar ahora sus casi 40 años de trayectoria musical, puede afirmarse que los covers han tenido una especial significación en su carrera. Habría que remontarse muy atrás pero ahí están las versiones que hiciera con su grupo Miami Sound Machine en los 70 y principios de los 80 de temas de Stevie Wonder, Barbra Streisand, Michael Jackson, Laura Branigan, Donna Summer, Paul Anka o las Andrew Sisters. También habría que recordar rarezas como The 70’s “Moment” Medley, la espectacular cara B de 16 minutos de duración del single Don’t Let This Moment End de su álbum gloria! (1998) con versiones de Jackson 5, Thelma Houston, Diana Ross o The O’Jays. O su remake del Young Hearts Run Free de Candi Staton que se incluyó en la banda sonora de la serie Mujeres Desesperadas (2005).
Sin embargo, el origen de Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, hay que buscarlo en un concierto que la Estefan realizó para el canal de televisión VH1 en 1993, dentro del programa Center Stage. En estas presentaciones se pedía al artista de turno que cantara –además de sus éxitos y temas habituales- una canción de otro intérprete. Gloria escogió para la ocasión este tema popularizado por Mel Carter en 1965. La espectacular acogida que tuvo la interpretación por parte de sus fans motivó a Gloria a grabarla en estudio. La idea derivaría posteriormente en un LP completo con versiones de canciones que le habían influido especialmente durante su adolescencia y por ende, en la formación de su estilo musical e interpretativo. Entre los artistas versionados encontramos a Gerry & The Peacemakers, The Young Rascals o The Moments. El disco se grabó en los estudios Crescent Moon de Miami -propiedad de los Estefan- y fue lanzado escalonadamente en Estados Unidos, Europa, Australia y Asia entre mediados de octubre y primeros de noviembre de 1994. Hold Me, Thrill Me, Kiss Merecoge temas principalmente de los 60 y 70 -pero también anteriores (Goodnight My Love, 1957)- siguiendo casi todos una línea estilística inspirada claramente en el traditional pop, el soul y el R&B de la vieja escuela.
La producción corrió a cargo de Emilio Estefan y de dos de los músicos de Gloria: su teclista Clay Ostwald (Jon Secada, Matt Bianco, Seiko, Julio Iglesias) y su director musical y bajista Jorge Casas (Ricky Martin, Albita, The Manhattan Transfer, Luis Miguel). El trío de productores se rodeó también de grandes músicos latinos que ya habían colaborado con Gloria en el recién publicado Mi Tierra como Paquito D’Rivera (saxofón), Nestor Torres (flauta), Hernan Mullet (trompeta), el legendario guitarrista cubano Juanito Márquez o el padre del mambo Israel “Cachao” López. El primer single fue el himno disco Turn The Beat around (1976), que fue escogido también como tema principal de la película El especialista, protagonizada por Sharon Stone y Silvester Stallone. La banda sonora de la cinta fue producida precisamente por Emilio Estefan y contó con otros artistas de su círculo como Jon Secada o nuestras Azúcar Moreno.
Turn The Beat Around fue seleccionada por Gloria por ser una de las primeras canciones que fusionó la música disco legítima con la percusión latina. El single contó con espectaculares remixes realizados por Pablo Flores, David Morales y Phillip Damien, algunos de los cuales incluían como novedad un segmento del éxito Conga cantado en español. El tema se convirtió en un bombazo en los clubes y radios norteamericanas, llegando al #1 de la lista dance de Billboard, al #10 del Hot 100 –sumando Gloria otro gran éxito en inglés a su palmarés- y recibiendo certificaciones de Oro en Estados Unidos y Australia.
Como anécdota, hay que mencionar que Gloria estaba embarazada de seis meses durante la realización del videoclip, rodado en la azotea del conocido rascacielos Miami Tower, por lo que aparece únicamente en primeros planos y planos largos. Otro hecho destacable es que la popularidad del tema se disparó hasta tal extremo tras el éxito de Gloria, que la propia Vicki Sue Robinson –cantante original de Turn The Beat Around en los 70- volvió a salir de gira para aprovechar el tirón comercial del momento.
El segundo single para Europa fue el tema que da título al disco, Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, interpretado originalmente por Karen Chandler en 1952 pero cuya versión más conocida es la que realizó Mel Carter en los 60. La canción alcanzó un nada despreciable puesto #11 en las listas británicas, siendo certificada single de Plata y convirtiéndose desde entonces en uno de los temas más reconocidos de Gloria en Reino Unido.
Para el resto del mundo se escogió como segundo sencillo el tema Everlasting Love (Robert Knight, 1967), un corte dance con un estilo más cercano a la música club de los 90 y que constituye la excepción estilística del álbum. Contó con remixes de varios de los DJ’s más importantes del momento como Tony Moran o Love To Infinity, devolviendo a Gloria nuevamente al #1 de la lista Dance de Billboard. En España conquistó el #1 de la emisora 40 Principales y en Australia fue certificado single de Oro.
El icónico videoclip, especialmente moderno para la época, contó con numerosos drag queens –algunos caracterizados como la propia Gloria en diferentes momentos de su carrera- entre los que destacaban las famosas Venus D-Lite, Sutan Amrull y The Fabolous Wonder Twins. Estefan no aparece en el vídeo salvo en imágenes rescatadas de anteriores videoclips, debido a su avanzado estado de gestación en el momento del rodaje. La original grabación otorgó a Gloria un premio Billboard en la categoría Videoclip Dance del Año.
El tercer single fue It’s Too Late, versión del tema original de Carole King que apareció en su histórico Tapestry (1971). Este álbum ha sido señalado por Gloria en numerosas ocasiones como el disco completo que más le ha influido musicalmente como cantante y compositora. El tema de King gozó de enorme popularidad en la época, llegando al #1 norteamericano y siendo premiado en los Grammy de 1972 como Grabación del Año.
Curiosamente, Carole y Gloria han colaborado posteriormente en dos ocasiones: el especial Divas Live (1998) -en el que ambas interpretaron You’ve Got A Friend junto a Celine Dion y Shania Twain- y en 2009 durante la gira mundial 90 Millas de Gloria en un concierto especial en Las Vegas llamado “She’s got a friend”, en el que ambas desgranaron lo mejor de su repertorio.
El cuarto single fue Cherchez La Femme, versión del clásico de Dr. Buzzard’s Original Savannah Band (1976), que no contó con videoclip pero sí con nuevos remixes de Marc Pirrone y Gary Q, entre otros. Como curiosidad señalar que tanto en el tema original como en el de Gloria es mencionado al principio de la canción el ex presidente de Sony Music Tommy Mottola, casado por entonces con la diva Mariah Carey y gran impulsor de la carrera de Estefan y otros artistas como Celine Dion, Shakira o Billy Joel.
Otros temas destacables son las baladas R&B You've Made Me So Very Happy (Blood, Sweat & Tears, 1969) y Love On A Two Way Street (The Moments, 1970), pero personalmente tengo que destacar la versión de Breaking Up Is Hard To Do (Neil Sedaka, 1962) en la que la voz de Gloria reluce con un color y matices de cantante jazz desconocidos hasta la fecha. La edición internacional del álbum contó como bonus track con una correctísima versión del archiconocido Don’t Let The Sun Go Down On Me de Elton John, grabada por Gloria 4 años antes y publicada entonces como cara B de algunos de los singles de su disco
Cuts Both Ways. Pese a ser el primer disco en inglés con el que Gloria no salió de gira mundial de apoyo –debido a su embarazo y posterior nacimiento de su hija Emily-, Hold Me, Thrill Me, Kiss Me fue álbum Top 10 en Estados Unidos (doble platino), Reino Unido (doble platino), Australia (doble platino), España (Oro) y Japón (Oro). Del disco se han vendido hasta la fecha alrededor de 5 millones de copias en todo el mundo.
La impecable producción realizada por Emilio Estefan y sus colaboradores, su sonido soberbiamente clásico, los elegantes arreglos de los temas con inesperados solos de guitarra, sutiles percusiones latinas –influencia clara de Mi Tierra- y, sobre todo, la voz de Gloria cargada de sensuales matices y alcanzando registros inéditos, hacen de este disco una joya musical y toda una rareza dentro del catálogo de Estefan.
Anoche recibí antes de acostarme dos noticias que me impactaron sobremanera. Por un lado me enteré casi por casualidad que mi participación en los Premios 20 Blogs del diario 20 Minutos no sólo había sido recompensada con un puesto de finalista en la categoría Cultura y Tendencias en la que presenté el blog sino que había sido elegido igualmente finalista al Premio al Mejor Diseño del Año entre más de 6.000 blogs. Pero la alegría me duró poco porque apenas 5 minutos después un amigo me comunicaba que uno de mis ídolos musicales de toda la vida había fallecido repentinamente. Sí, la voz de Whitney Houston se había apagado definitivamente con tan solo 48 años.
Esta es probablemente la entrada del blog que nunca me gustaría haber escrito y he tenido un debate interno sobre hacer un repaso a su vida y carrera como he hecho con otros artistas o publicar otro tipo de entrada. Y es que si bien su impresionante trayectoria musical queda ya como algo irrepetible e inigualable, teniendo en cuenta los cambios drásticos en el mundo de la música en los últimos años, determinados momentos de su vida no son ni mucho menos admirables. Por lo que en este caso voy a centrarme en sus hitos y en rendirle tributo a través de uno de mis discos más queridos, su recopilatorio Whitney – The Greatest Hits, publicado en 2000.
Whitney Elizabeth Houston nació en Newark (New Jersey) el 9 de agosto de 1963 en el seno de una familia muy musical. Su madre Cissy Houston fue corista, entre otros, de Elvis Presley y tuvo posteriormente una respetable carrera en el mundo de la música soul y góspel. Whitney era igualmente prima de otro icono del mundo del espectáculo, la cantante Dionne Warwick. Además era ahijada de Aretha Franklin, la intérprete negra más importante de todos los tiempos.
Con tan solo 11 años comenzó a cantar góspel en el coro de la New Hope Baptist Church en su Newark natal. Por entonces ya recibía clases de canto de su propia madre y escuchaba discos de Chaka Khan y Gladys Night. Durante su adolescencia acompañó a su madre en multitud de actuaciones en clubes y participó como corista en discos de Jermaine Jackson, Chaka Khan y Lou Rawls. A principios de los 80 incursionó en el mundo de la moda, siendo portada de importantes revistas como Cosmopolitan, Glamour o Seventeen.
En 1983 fue descubierta por el mítico productor norteamericano Clive Davis, que quedó impresionado al verla actuar junto a su madre. Davis le ofreció un contrato mundial con el sello Arista, relación discográfica que ha continuado hasta nuestros días. En 1985 veía la luz el álbum debut de Whitney Houston, con título homónimo, que se convertiría en todo un fenómeno aclamado por la crítica y el público. El disco contenía temas archiconocidos como How will I know, Saving all my love for you o Greatest love of all y de él se han vendido hasta la fecha más de 25 millones de unidades.
Después de este álbum vendrían otros como Whitney (1987) o I’m your baby tonight (1990), de los que se desprendieron éxitos mundiales como I wanna dance with somebody, So emotional, Didn’t we almost have it all, Where do broken hearts go o All the man that I need. A partir de aquí comienza una etapa de subidas y bajadas marcada, sin duda, por su matrimonio en 1992 con el cantante Bobby Brown, una negativa influencia en su vida personal y profesional que le indujo al mundo de las drogas.
Ese mismo año protagonizó la inolvidable película El Guardaespaldas junto a Kevin Costner. El filme será siempre recordado por la mítica interpretación de Whitney del tema I will always love you, versión original del clásico de Dolly Parton. El éxito arrollador de la película -410 millones de dólares recaudados- se reflejó en su banda sonora, que se mantuvo durante 24 semanas en la posición #1 de la lista de Billboard. El disco produjo un ramillete de nuevos éxitos para Whitney: Run to you, I have nothing, I'm every woman (versión de Chaka Khan) y Queen of the night. Hasta la fecha se han vendido más de 44 millones de copias del disco y 12 millones de singles de I will always love you, por lo que es considerada la banda sonora más vendida de todos los tiempos.
Durante la década de los 90 Whitney participó en otras películas como Waiting to exhale (Esperando un respiro), The preacher’s wife (La mujer del predicador) o Cinderella, colaborando con nuevos temas en sus bandas sonoras. En 1998 vería la luz otro de sus álbumes más aclamados, My love is your love, que la devolvió a lo más alto de las listas musicales y de ventas de todo el mundo . El disco, que en un principio iba a ser un recopilatorio con remixes, contenía el famoso dueto con Mariah Carey When you believe y los sencillos It’s not right but is OK y Heartbreak Hotel, nuevos hits mundiales para la cantante.
En 2000 Whitney recuperó la idea de lanzar un grandes éxitos y reunió sus temas más comerciales junto a dos nuevos duetos, uno con el cantante español Enrique Iglesias y otro con el británico George Michael. El resultado fue un recopilatorio doble -cuya espectacular portada y libreto estuvieron a cargo del genial David Lachapelle- con un primer cedé llamado Cool Down en el que se recogían las mejores baladas de Houston, y un segundo cedé con temas uptempo y remezclas dance bajo el nombre Throw Down. El álbum fue lanzado mundialmente a mediados de mayo de 2000 convirtiéndose en un Top 10 en ventas en las listas de todo el mundo.
El primer single fue la remezcla realizada del tema Could I have this kiss forever, compuesto por Diane Warren y cantado a dúo con Enrique Iglesias e incluido en primer lugar en el álbum Enrique del cantante español. Houston e Iglesias grabaron por separado y se reunieron por primera vez cuando la canción estaba siendo remezclada por Metro, el mismo equipo que había arreglado los temas Bailamos y Rhythm Divine. El tema se convirtió en un éxito inmediato, llegando al #1 en varios países como Suiza y Holanda y al Top 10 en otros como España, Reino Unido, Suecia, Noruega, Italia, Alemania, Irlanda, Canadá, Bélgica o Austria. Fue certificado single de Plata en Francia y de Oro en Suiza, Alemania y Australia.
El segundo single fue el dueto con George Michael, If I told you that, que ya había sido cantado solo por Whitney en su último disco, añadiéndose la voz de Michael posteriormente. El tema se convirtió en un éxito en las radios de todo el mundo debido a su rotación masiva, si bien sólo alcanzó el Top 10 en Reino Unido e Italia. La canción contó con un elegante videoclip dirigido por Kevin Bray, cuyas escenas discurrían en un glamouroso club.
Después de esta compilación Whitney lanzó únicamente un álbum navideño y otro de estudio de escaso éxito, reduciéndose drásticamente su repercusión comercial. En este momento de su vida eran continuas sus entradas y salidas de los centros de rehabilitación y sus sonados escándalos matrimoniales. No sería hasta la publicación del disco I look to you en 2009 cuando la diva levantara por fin la cabeza, volviendo al #1 en Estados Unidos y otra decena de países con el que es ya el último álbum de su carrera. Actualmente había terminado el rodaje de su participación en la película Sparkle, cuyo estreno está previsto en agosto de este mismo año.
Todos los temas destacados en esta entrada podéis encontrarlos en este magnífico The Greatest Hits que os comento. Un disco redondo de principio a fin en el que a través del característico sonido híbrido de R&B y Pop de Whitney tendréis el lujo de escuchar a la que es posiblemente la mejor voz femenina de todos los tiempos. Del álbum se han vendido hasta la fecha más de 10 millones de discos, siendo certificado 4x Platino en Reino Unido; 3x Platino en Europa y Estados Unidos; Platino en España, Suiza, Holanda, Suecia, Alemania, Bélgica y Canadá; 2x Oro en Francia y Oro en Brasil, Australia y Finlandia.
Whitney pasará a la historia no sólo por su prodigiosa voz, también por sus increíbles logros: más de 170 millones de discos vendidos, el récord Guinness como la intérprete femenina más premiada (recibió más de 400 galardones, incluidos 2 premios Emmy, 6 Grammy, 30 Billboard y 22 American Music Award –artista más premiada también en la historia de dichos premios-). En 2003 su disco debut fue incluido por la prestigiosa revista Billboard entre los 500 más importantes de la historia, en 2007 el periódico USA Today nombró su entrada en la industria musical como “uno de los hitos más importantes de la historia de la música”, en 2008 la revista Billboard la nombró una de los 100 artistas más importantes de la historia. Whitney sigue siendo, además, la única cantante que ha conseguido 7 números 1 consecutivos en la lista de la famosa revista.
Mañana sale a la venta en formato físico la última aventura discográfica de Gloria Estefan, Miss Little Havana, que ya estaba disponible en iTunes España desde octubre. El disco, cuyo nombre hace alusión a un personaje ficticio encarnado por una joven cubana que llega a Miami en busca de oportunidades, amor y diversión, es prácticamente una versión actualizada del estilo que lanzó a la fama a Gloria hace casi 3 décadas cuando era la solista del grupo Miami Sound Machine.
Y es que el álbum, producido por Pharrell Williams (N*E*R*D, The Neptunes), Emilio Estefan y la propia Gloria, resucita el "sonido Miami" que los Estefan impulsaron a principios de los 80, y que alcanzó su éxtasis a finales de los 90 en las voces de Ricky Martin, Jennifer Lopez o Marc Anthony, con una inyección explosiva de música urbana, R&B y arreglos dance de plena actualidad.
Miss Little Havana es, sin duda, uno de los grandes regresos discográficos del año y toda una sorpresa incluso para los fans de la cantante, cuyo último álbum en inglés, Unwrapped, se remonta nada menos que a 2003. La portada es una singular composición del artista cubanoamericano LEBO que muestra una imagen de la intérprete realizada siguiendo la técnica del collage con fotos de diferentes épocas y vibrantes dibujos muy acordes con el sonido cálido y sensual del álbum.
Y es que la Estefan parece haber vuelto con ganas, como demuestran el videoclip del sencillo Wepa, dirigido por Ray Kay -autor de vídeos para Lady Gaga, Justin Bieber y Britney Spears- y el nuevo número #1 alcanzado en la lista Dance norteamericana que se suma a los más de 60 que Gloria ha logrado en la prestigiosa revista Billboard. No obstante es la única artista que ha llegado a lo más alto de las listas Hot 100, Pop, Adult Contemporary, Dance, Latin y Tropical de la prestigiosa publicación. En nuestro país ha sido notorio su regreso a la lista de Los 40 Principales en la que no aparecía desde hacía más de una década.
Miss Little Havanacuenta igualmente con varias sorpresas, como una versión del éxito Let’s get loud que la Estefan compuso para su álbum gloria! pero que finalmente cedió a Jennifer Lopez y que está incluida en el disco On the 6 de la neoyorquina y otra nueva versión descargable del clásico Conga remezclada por Pablo Flores, ahora que se cumplen 25 años del éxito mundial de la que es considerada su canción más emblemática en el mercado anglo. Atentos también a los temas Hotel Nacional y Medicine porque se perfilan como los próximos singles.
«Mucha gente quiere dedicarse a este mundo pero son muy pocos los que deciden a quien le dan la oportunidad»
Carlos Simón es un joven cantautor nacido en Valencia en 1989 y afincado en Madrid, ciudad en la que poco a poco va abriéndose camino en el difícil mundo de la música. Ha tocado en salas como Búho Real (Madrid) y Pirámide (Valencia). Esta noche ofrece un concierto acústico en la sala El rincón del arte nuevo en Madrid (c/ Segovia, 17. Metro Ópera).
JOSÉ RAMÓN GONZÁLEZ
¿Cuándo decidiste que querías dedicarte al mundo de la música?
Desde pequeño he querido dedicarme a la música. Siempre he dicho que en mi vida hay tres pilares que son mi familia, mis amigos y la música. Sin uno de ellos me sería muy difícil vivir. Pero aunque desde pequeño he querido dedicarme a esto, creo que el paso de venirme hace un año a Madrid a buscarme la vida para hacerme un hueco ha sido el cambio que necesitaba para empezar a encaminar mi vida en este mundo tan complicado.
¿Te resultó difícil el cambio de Valencia a Madrid?
La verdad es que no me costó mucho. Soy una persona a la que le aburre mucho la rutina y me gustan los cambios, hacer cosas nuevas y sobre todo perseguir lo que quiero. Y soy consciente de que la mejor ciudad para conseguir mis propósitos es Madrid y que debo quedarme aquí.
¿Estás compaginando tu pasión por la música con estudios?
Ahora no. Estuve estudiando Psicología pero me di cuenta que no era lo mío. Ahora estoy centrado únicamente en la música pero no descarto empezar a estudiar de nuevo algún día.
¿No confías del todo en poder vivir de tu vocación?
¡Ojalá pudiese vivir de la música!
Eres muy joven y sin embargo has compuesto ya más de 70 canciones ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
Desde siempre la música ha estado en mi vida diariamente y sin duda mi fuente de inspiración menos directa ha sido toda la música que he escuchado desde que era pequeño hasta ahora. Pero sobre todo mi fuente de inspiración siempre han sido los cantautores. Actualmente escucho música de autor.
En tu página oficial afirmas que tienes una manera original de componer ¿Sigues alguna rutina diferente o particular?
Primero improviso la melodía de la canción con la letra que me sale en el momento. La mayoría no tienen sentido o es un inglés inventado jaja [ríe]. Entonces me grabo y, si veo que es una melodía que me gusta, añado la letra que me apetece y le va a la canción sobre el tema.
¿Cuando comenzaste a componer?
Empecé a componer a los 13 ó 14 años más o menos. Eso sí, de esa época conservo muy pocas canciones por el bien del mundo [ríe]. Como en todo, el tiempo te da experiencia y uno va mejorando con el esfuerzo y las ganas de hacerlo mejor. Actualmente en mis conciertos suelo cantar una canción que si que conservo de esa etapa que es Un día de invierno. La compuse incluso antes de empezar a tocar la guitarra, a los 14 años.
¿Tienes algún referente musical que haya influido en tu estilo?
Supongo que han influido muchísimos cantantes que he ido escuchando a lo largo de mi vida pero debería destacar a Alejandro Sanz, Luís Fonsi, Sin Bandera, Camila, Vega... y paro aquí porque podría estar nombrando hasta aburrir [ríe].
¿Sigues la trayectoria de algún otro cantautor que esté empezando como tú?
Ojalá pudiese seguir la misma trayectoria de Pablo Alborán. Él también empezó por salas de Madrid y ahora le ha cambiado la vida completamente. Es un ejemplo a seguir para todos los que nos dedicamos a la música. Te das cuenta que es posible llegar con esfuerzo y constancia.
En otra entrevista el cantautor Carlos Salinas me contaba que tuvo que insistir durante mucho tiempo para tocar en la sala Búho Real. ¿Crees que el problema es que hay mucha competencia entre los nuevos cantautores o es simplemente cuestión de gustos de los dueños de las salas?
Creo que todo tiene que ver. Hay muchísima gente que quiere dedicarse a este mundo pero son muy pocos los que deciden a quien le dan la oportunidad. Hay que ser constante e insistir por lo que uno quiere, al final siempre te dan la oportunidad y si va bien puedes seguir tocando.
En 2007 ganaste el Festival Narciso de Cantautores del Puerto de Sagunto, ¿qué supuso ese premio para ti? ¿Vas a participar en más certámenes?
Fue toda una experiencia porque una parte del premio era hacer un concierto en una sala y fue la primera vez que me subí a un escenario para cantar un repertorio de una hora con mis temas. Fue muy bien y me sentí muy arropado por toda la gente que vino a verme. Ese día supe que tenía que subirme a un escenario más a menudo.
Uno de tus temas se llama Mucho por recorrer, ¿qué te queda por recorrer para alcanzar tu meta como cantante?
Aún me queda mucho por recorrer y habré alcanzado mi meta el día que pueda decirme a mí mismo que puedo vivir de la música y que es lo que me alimenta cada día. Nada fácil tal y como están las cosas hoy en día pero sé que estoy en el sitio que debería estar. Es una forma de buscar mi felicidad que supongo que es lo que busca todo el mundo en la vida.
¿Qué podremos escuchar esta noche en El rincón del arte nuevo?
He hecho una selección de mis canciones bastante variada en cuanto a temática, aunque generalmente se hable del amor. Además seguramente cante alguna versión de una de mis canciones favoritas.
· Queen - Don't stop me now. Estamos ante el primer single del disco Jazz (1978) del grupo británico Queen. Escrita e interpretada por su mítico líder, Freddie Mercury, es un himno rock de inmensa popularidad en nuestros días pero que no gozó de la misma fama en la época de su lanzamiento.
De hecho, el álbum Jazz –séptimo en la discografía de la banda- fue quizá el menos elogiado por la crítica, quizá por una mezcla de estilos mucho más evidente que sus predecesores y de difícil digestión en aquel momento. No obstante, y pese a no recibir certificaciones de multiplatino en Reino Unido y Estados Unidos como en ocasiones anteriores, el grupo Queen fue premiado con sendos platinos en ambos países.
El tema Don’t stop me now alcanzó el #10 en Irlanda y #9 en Reino Unido, siendo certificado single de plata. No tuvo la misma suerte en el mercado norteamericano, donde apenas pudo llegar al #86 del Hot 100. Sin embargo es una canción que con los años ha ido ganando fama y reconocimiento en la cultura popular, tras ser incluida en multitud de series de televisión, películas y anuncios de todas partes del mundo, convirtiéndose en uno de los temas más populares de la banda de Londres.
Igualmente ha sido versionada por multitud de artistas de muy diferentes géneros y procedencias, una de las últimas ha sido la popular –y tengo que decir que personalmente detestada- Katy Perry en su Hello Katy Tour.
Es un tema tan trepidante, enérgico, descarado y rockero –el solo de guitarra de Brian May es, sencillamente, impresionante- que levanta el ánimo a cualquiera. Ni que decir tiene que lo he interpretado cientos de veces en mis particulares conciertos caseros ja, ja.
· Tina Turner - What’s love got to do with it. Dicen que todas las grandes divas del pop tienen en sus carreras un álbum que las devuelven a lo más alto tras épocas en las que han mantenido un perfil bajo en el mundo de la música. Casos como el de Cher y su Believe o más recientemente Mariah Carey y su Emancipation of Mimi son ejemplos de libro. En 1985 le ocurrió algo similar a esta veterana intérprete nacida en Nutbush (Tennessee) en 1939 con la publicación del disco Private dancer.
Por entonces Tina llevaba casi una década alejada del que había sido su marido y pareja artística, Ike Turner, -con el que había conquistado las listas norteamericanas en los 60 y 70 con temas tan populares como River deep, mountain high o Proud Mary- debido a los malos tratos sufridos durante su matrimonio. Sus intentos por lanzarse en solitario apenas habían tenido repercusión hasta que en 1983 grabó una versión del tema de Al Green Let’s stay together que se convirtió en un gran éxito en el Reino Unido. Esto hizo que su discográfica apostara fuerte por ella en su siguiente producción musical.
Así nació Private dancer, un álbum que combinaba sabiamente sonidos Pop, R&B, Rock e incluso New Wave y que marcaría el nuevo estilo seguido desde entonces por la artista. El disco fue un éxito inmediato con nada menos que 7 de los 10 temas del álbum lanzados como singles. El más conocido es, sin duda, What’t love got to do with it, sencillo que catapultó a Turner al #1 en Estados Unidos, Canadá y Australia y cuyo icónico videoclip rodado en las calles de Nueva York es todo un símbolo de los años 80. Tina consiguió tres premios Grammy por este tema: Record of the Year, Song of the Year y Best Female Pop Vocal Performance.
Mi primer recuerdo de este grandísimo tema viene del disco Grammy’s Greatest Moments Vol. 1, publicado en 1994, que recogía algunas de las actuaciones más memorables de los prestigiosos premios. Disco que cantaba casi de principio a fin con mi hermana y que contenía también el medley de Gloria EstefanDon’t wanna lose you / Si voy a perderte, la primera interpretación en español en unos premios Grammy, allá por 1990.
· Otis Redding - (Sittin’ on) The dock of the bay. Otis Redding es una de esas figuras musicales que con su corta y prometedora carrera y un final trágico e inesperado estaba llamado a convertirse en la leyenda que es hoy en día. Nacido en Dawson (Georgia) en 1941, publicó su primer álbum, Pain in my heart, en 1964 con un marcadísimo estilo soul. Durante los años posteriores publicó otros 5 discos en la misma línea estilística, con éxitos como Try a little tenderness, Security, Respect o I’ve been loving you too long, que le convirtieron en una de las estrellas más grandes de la llamada “música negra”.
Otis fue uno de los artistas del histórico Monterey Pop Festival que se celebró del 16 al 18 de junio de 1967 y en el que participaron también figuras de la talla de Jimi Hendrix, The Who, Janis Joplin o The Mamas & The Papas. Unos meses después, el 10 de diciembre, Redding y su banda volaban en su avión privado hacia Madison (Wisconsin) para ofrecer un concierto cuando sufrieron un terrible accidente debido a las malas condiciones climáticas y se estrellaron en el lago Monona, perdiendo Otis la vida.
Tan sólo 3 días antes grabó este tema, (Sittin’ On) The dock of the bay, compuesto por él mismo junto a su guitarrista, Steve Cropper. La letra, bastante autobiográfica, habla de un hombre que abandonó su Georgia natal y ahora contempla los barcos zarpar desde el muelle de la bahía de San Francisco. Al parecer Otis quería completar la canción con más letra pero tras su fallecimiento fue lanzada en enero de 1968 tal y como estaba. El tema se convirtió en un éxito inmediato debido al impacto de la repentina muerte del cantante, alcanzando no sólo el #1 de las listas R&B sino el #1 del Hot 100 norteamericano durante 4 semanas. Otis consiguió además varios reconocimientos póstumos, algunos de los más grandes de su carrera, como dos premios Grammy en las categorías Best R&B Song y Best Male R&B Vocal Performance.
Es un tema que me enamoró hace muchísimos años, tras escucharlo en un anuncio de televisión, por la inmensa carga nostálgica de la letra y la profunda interpretación. Pese a la gran distancia entre mi vida y la suya, quizá me sentí identificado con ese emigrante de la canción que añoraba su tierra y que había hecho de ese muelle su refugio. Un muelle que perfectamente podía ser metafórico y que no es otra cosa que un nuevo lugar en el mundo al que poder llamar hogar.
Ya han pasado casi tres meses desde que comencé este pequeño repaso a mis 10 temas favoritos en inglés y hoy es el turno de la segunda parte. Como veréis mis gustos musicales no pueden ser más eclécticos:
· Michael Jackson – Heal the world. Cuando Michael Jackson publicó el disco Dangerous en 1991 ya llevaba una década siendo la figura primerísima del mundo de la música. Por eso no resultó nada extraño que el álbum debutara en el #1 de Estados Unidos y Gran Bretaña con unas ventas arrolladoras. Los primeros singles, Black or White, Remember the time o In the closet, se convirtieron en grandes éxitos a nivel mundial, sosteniendo el estatus de una estrella que estaba a punto de perder brillo por motivos completamente ajenos a su carrera artística.
Si bien estos sencillos fueron la parte señera del álbum que más se promocionó, en mi humilde opinión destacaría también la canción Heal the world. Y lo hago no por ser un tema especialmente enérgico o por tener un espectacular arreglo musical o un llamativo videoclip, sino por la sensibilidad con la que Jackson lo compuso y el mensaje tan humano, positivo y solidario que desprende. No obstante, el propio Michael reconoció en 2001 que era el tema del que más orgulloso estaba.
Este tema lo conocí no en 1991 ó 1992, como habría sido normal, sino en 1995 a través de mi por entonces profesora de inglés en 5º de EGB. Recuerdo con gran cariño como toda la clase lo cantábamos a coro. Más de 30 niños de apenas 10 años que siempre estaban peleando, unidos por la música y cantando al unísono. ¡Se me pone la piel de gallina!
· Suede – Trash. En 1996 la banda londinense Suede publicó Coming Up, su tercera aventura discográfica, con la que consiguieron por fin la fama mundial. El álbum seguía la línea de sus anteriores trabajos con una mezcla de glam rock y rock alternativo con tintes de pop británico por entonces poco frecuente en las emisoras de radio más comerciales.
El primer single fue el tema Trash (Basura), que tuvo una acogida espectacular en las radios de todo el mundo precisamente por ceder un poco del sonido original de la banda a favor de un toque pop que no distorsionaba en absoluto con su estilo habitual. El resultado, con un Brett Anderson en una decadentísima interpretación vocal de un buen gusto indudable y una música más cercana al britpop que al glam rock de sus comienzos, se convirtió en un éxito internacional.
Recuerdo especialmente este tema como uno de los más emblemáticos de la época 1995-1998 en la que era totalmente adicto a los 40 Principales y al programa Del 40 al 1 que emitía Canal +. Precisamente en este programa apareció varias veces el videoclip de esta canción, con una estética glam algo edulcorada que sería posteriormente imitada hasta la saciedad.
· The Mamas & The Papas – Carlifornia dreamin’. ¿Qué decir de este grupo mítico de los 60 y la época hippie? Pues que tengo tanto que contar que les voy a dedicar una entrada en exclusiva en breve. Por eso me basta con afirmar que este pequeño tema de apenas dos minutos es, sin lugar a dudas, una de las mejores composiciones de toda la historia de la música. California dreamin' no tiene desperdicio por ningún lado: composición perfecta, arreglo espectacular, instrumentación acertadísima y -en el caso que nos ocupa- unas armonías vocales insuperables.
Escrita por John Phillips -uno de los componentes de The Mamas & The Papas- mientras vivía en Nueva York (1963) e inspirada por la cálida California, fue terminada cuando aún el grupo no estaba formado y grabada posteriormente por los cuatro miembros de la banda: John y Michelle Phillips, Denny Doherty y Cass Elliot. El tema se publicó en 1965 y no se convirtió en un éxito inmediato pero fue ganando popularidad hasta que en 1966 llegó al #4 en Estados Unidos.
El primer recuerdo que tengo de este grupo es del anuncio de televisión del recopilatorio Lo mejor de The Mamas And The Papas que se publicó en España en 1994 y que curiosamente no contaba con una imagen de ellos en la portada, sino con la de un bebé bañándose en un cubo de latón. Desde aquel momento quedé completamente enamorado de este tema, de esta banda irrepetible y sobre todo de la carismática "Mama" Cass.
Amy Winehouse nació el 14 de septiembre de 1983 en el distrito londinense de Southgate, siendo hija de un taxista y una farmacéutica. Creció escuchando las canciones de Frank Sinatra que le cantaba su hermano mayor y emulando desde muy temprana edad a los legendarios intérpretes de jazz de los discos de su familia, demostrando unas grandes aptitudes musicales.
Con tan sólo 10 años fundó un grupo de rap, Sweet ‘n’ Sour, comenzó a recibir clases de interpretación en la Escuela de Teatro de Susi Earnshaw y posteriormente en la de Silvia Young, de la que sería expulsada con 14 años por su carácter rebelde. Este hecho marcaría el comienzo de un bagaje constante por diversos centros de enseñanza. A esta edad, además, ya había aprendido a tocar la guitarra, componía sus propias temas y realizaba labores periodísticas para la agencia World Entertainment News Network.
En 2002, después de una breve etapa como vocalista invitada en otros proyectos musicales, firmó por fin con EMI, discográfica que la lanzaría a la fama un año después. Este contrato supuso el comienzo de una fructífera colaboración musical con el productor Salaam Remi, que acababa de participar en dos exitosos álbumes del rapero Nas, Stillmatic (2001) y God’s Son (2002).
Su álbum debut, como no podía ser de otra forma, se llamó Frank (2003) en honor del gran Sinatra. Lanzado originalmente en Reino Unido, ya dejaba intuir la mezcla de jazz, soul y R&B que alcanzaría finalmente la fórmula perfecta en Back to black (2006). El disco fue alabado por la crítica y se convirtió en la sensación del año, siendo certificado triple platino en Gran Bretaña y haciendo a Amy merecedora, entre otros, del prestigioso premio Ivor Novello en la categoría Mejor Canción Contemporánea por Stronger tan me.
El resultado de todo lo aprendido con Frank fue vertido en Back to black -su segundo álbum de estudio- un disco de soul y jazz soberbiamente clásico con claras reminiscencias de los álbumes de la legendaria discográfica Motown, pero a la vez, con un toque fresco y novedoso gracias a los arreglos R&B plenamente actuales. A destacar también la espléndida voz negra de Amy, que nada tenía que envidiar a las de mitos como Sarah Vaughan o Nina Simone. Se dejaba notar también el buen gusto en la producción de Mark Ronson, que ese mismo año había coproducido otro cuidadísimo álbum de título casi idéntico: el Back to basics de Christina Aguilera.
El primer single fue la archiconocida Rehab, tema compuesto por la propia Amy y cuya primera frase surgió durante un paseo por Nueva York con Mark Ronson. La letra, casi premonitoria del trágico final de la cantante, relata la reticencia de la intérprete a iniciar una terapia de rehabilitación contra las sustancias a las que era adicta. Como curiosidad destacar que en ella menciona a músicos de los que sin duda era admiradora, como Ray Charles y Donny Hathaway. El tema se convirtió en Top 10 en multitud de países, incluidos Reino Unido, Bélgica, España, Estados Unidos, Canadá, Hungría y Noruega. Siendo certificado 2x Platino en nuestro país; Platino en Estados Unidos y Dinamarca; y Oro en Bélgica y Nueva Zelanda.
Otros temas destacables, en la misma línea estilística del primer sencillo, fueron los singles posteriores: You know I’m no good y Back to black. Sin embargo, en mi opinión, lo mejor del disco está representado por Tears dry on their own -que samplea el conocidísimo éxito de Marvin Gaye y Tammi Terrell Ain’t no mountain high enough y cuyo videoclip fue dirigido por el fotógrafo David LaChappelle (Elton John, Whitney Houston, Christina Aguilera, Macy Gray, No Doubt, Jennifer Lopez)- y la poética Love is a losing game, con ecos del estilo doo-wop.
Gracias a la publicación de este disco y sobre todo a su original imagen con gran moño y exageradísimas rayas de ojos negras, Amy se convirtió en un icono de la moda, inspirando incluso a diseñadores como Karl Lagerfeld. También es el más claro antecedente del fenómenoLady Gaga, en el que una superestrella de la música acapara la atención de toda la prensa mundial, y no sólo la especializada en música, siendo noticia incluso en los informativos más por su vida y apariciones que por su propio trabajo. Winehouse, además, abrió las puertas a nuevos artistas británicos de soul y R&B como Adele, Duffy o Bryn Crhistopher, que han logrado posteriormente la fama internacional.
Back to black fue #1 en una quincena de países, incluyendo Reino Unido, Francia, Alemania y España. El álbum fue certificado Diamante en Brasil; 8x Platino en Reino Unido; 7x Platino en Europa y Suiza; 6x Platino en Alemania; 5x Platino en Austria y Holanda; 3x Platino en Dinamarca y Bélgica; 2x Platino en Estados Unidos, España, Rusia, Portugal, Nueva Zelanda, Polonia, Australia y Francia; Platino en Suecia, Noruega, Grecia, Hungría, Finlandia y Canadá; Oro en Argentina, Japón y Turquía.
Amy Winehouse fue reconocida en los premios Grammy de 2008 con seis nominaciones, de las cuales ganó cinco: Artista Revelación, Mejor Álbum Vocal Pop (Back to black), Canción del Año (Rehab), Grabación del Año (Rehab) y Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina (Rehab). En Reino Unido recibió dos premios Ivor Novello en las categorías Mejor Canción Contemporánea (Rehab) y Mejor Canción, Música Y Letra (Love is a losing game).
Tras la muerte de Amy el pasado 23 de julio, el álbum ocupó la primera posición del portal iTunes en prácticamente todo el mundo, volviendo incluso al Top 10 del Billboard norteamericano, por lo que es muy probable que los 12 millones de copias despachados hasta entonces hayan sido ampliamente superados. Un logro más de una artista irrepetible.
*Esta entrada está dedicada con todo mi cariño a Miss Van der Woodsen, a la que adoro.
Hoy os traigo, tras petición en Facebook, un listado con 10 de mis canciones favoritas en inglés. No puedo decir que sea una lista completamente cerrada puesto que escoger tan sólo una decena de canciones entre todo "mi" repertorio es tarea harto difícil. Ni siquiera las pondré en orden de preferencia. Pero éstas que os muestro a continuación cumplen de sobra la función de este tipo de decálogos: me siguen desde hace muchos años, influyen en mi humor cuando las escucho, tienen algún tipo de vivencia personal relacionada con ellas y creo -humildemente- que también son muy buenos temas desde el punto de vista musical.
· Roxette - Sleeping in my car. Fue escrita por Per Gessle -verdadera alma del grupo- cuando ya tenían el álbum Crash! Boom! Bang! (1994) casi listo y sorprendentemente se convirtió en su primer single. La fuerza del arreglo con potentes sonidos de guitarra, la sugerente letra de reminiscencias sexuales y la voz de Marie -en su plenitud- la convirtieron en un éxito mundial.
Definida por ellos mismos en su Greatest Hits de 1995 como "¡una canción genial!", no es de extrañar que se haya instituido con los años en uno de sus temas más representativos. Sin embargo a muchos os sonará porque en España fue utilizada en el anuncio de la colonia Azur de Puig.
Me trae buenísimos recuerdos de los conciertos improvisados que mi hermana y yo montábamos en casa en plena adolescencia, cantando temas de Roxette durante horas hasta quedarnos afónicos con nuestro viejo equipo de música y un casete del grupo que ni siquiera era original puesto que no teníamos dinero para comprarlo.
· Gloria Estefan - Always tomorrow. La Estefan escribió este tema para la banda sonora de una película del actor Dustin Hoffman que nunca vio la luz. Por suerte fue felizmente recogida en su Greatest Hits de 1992, un fantástico recopilatorio que incluía nada menos que diez Top 10 en las listas norteamericanas -tanto de Gloria en solitario como de su época al frente de Miami Sound Machine- y cuatro temas nuevos (Always tomorrow, I see your smile, Christmas through your eyes y Go away).
Cuando el huracán Andrew asoló las costas de Florida en agosto de 1992, Always tomorrow se convirtió accidentalmente en un himno para sus víctimas por el positivo mensaje de superación que desprendía la canción. Gloria, que donó los beneficios del tema a los afectados, organizó además un concierto para recaudar fondos en el que participaron -entre otros- Jon Secada, Celia Cruz, Whoopi Goldberg o Paul Simon.
Es, sin duda, una de las mejores composiciones musicales de toda la carrera de Gloria Estefan, en la línea estilística de temas como Cuts both ways o Coming out of the dark. Personalmente, me siento muy identificado con la letra, que me ha ayudado en muchos momentos de mi vida gracias al mensaje de esperanza y de superación de las adversidades.
· Europe - The final countdown. Qué decir sobre este mítico himno rock que no sepáis. No conozco a ninguna persona que no lo haya escuchado y entonado alguna vez. The final countdown fue escrita por Joey Tempest, líder y cantante del grupo sueco Europe. Sí, echad cuentas... me gustan Roxette, Ace of Base, Europe, ABBA... así que no os extrañeis si os digo que tengo media casa amueblada con IKEA. ¡Se ve que lo sueco me pone!
The final countdown fue el primer single de su tercer álbum de estudio, del mismo nombre, lanzado en 1986. Con un característico riff de teclado que se repite insistentemente durante toda la canción, una interpretación desgarrada y un grupo con una imagen completamente moderna, tenía todos los ingredientes para llegar al número 1 en 25 países -entre ellos España-. La letra se inspiraba, además, en el conocido tema de David Bowie Space Oddity.
Me recuerda mi más tierna infancia, cuando sólo existían dos canales de televisión, la 1 y la 2. Por entonces TVE emitía el programa Tocata (1983-1987) en el que grupos de diferentes estilos tenían un gran escaparate de promoción. El videoclip era un formato en pleno auge y grupos melenudos como éste estaban a la orden del día y me dejaban con la boca abierta ante el televisor con tan sólo 3 añitos. ¡Tengo espíritu rockero de nacimiento! ¡Vivan los 80!
Hoy os traigo otro de mis álbumes preferidos y lo hago coincidiendo con el retorno a la música por la puerta grande de su protagonista, Jennifer Lopez, que acaba de publicar nuevo trabajo discográfico. Éste que os comento es On the 6, su disco debut, y probablemente el que recoge de forma más clara todos los palos musicales que ha tocado la artista a lo largo de su década de carrera: Pop, R&B, Urban, Dance y música latina.
El título del álbum hace referencia a la línea 6 del metro neoyorquino, que Lopez usaba para desplazarse desde su casa en pleno Bronx hasta Manhattan para trabajar antes de comenzar en la industria del entretenimiento. Hay que destacar también que cuando Jennifer publicó On the 6 en junio de 1999 ya tenía una corta pero interesante trayectoria como bailarina –para Janet Jackson, New Kids On The Block- y como actriz en las películas My family, Asalto al tren del dinero, Jack, Sangre y vino y sobre todo Selena –papel que la lanzó a la fama mundial-.
Siguiendo claramente una línea Pop pero con grandes influencias R&B, Dance e incluso de música latina, y siendo Jennifer de ascendencia puertorriqueña, no es de extrañar que el disco fuera coproducido por el Rey Midas de la música latina, Emilio Estefan. De hecho se deja notar en este álbum el camino musical ya recorrido por su esposa Gloria durante los años 80 y primeros 90 en discos como Primitive love, Let it loose, Cuts both ways o Into the light. Y es que los Estefan se han involucrado de una forma u otra –como productores, compositores o colaboradores- en todos los crossovers importantes que ha dado la música latina. A ellos se les debe -en mayor o menor medida- el salto al mercado anglo de artistas como Jon Secada, Ricky Martin, Marc Anthony, Shakira o la propia Jennifer y la internacionalización de otros como Alejandro Fernández o Thalía.
Otro de los productores -y en este caso artífice de ese toque de R&B y música urbana del álbum- es Cory Rooney, un músico que había llamado la atención de Tommy Mottola -por entonces presidente de la Sony- gracias al éxito Real love que compuso para el álbum What’s the 411? de Mary J. Blige en 1992. Mottola lo convirtió en su protegido y On the 6 fue sin duda alguna su prueba de fuego, pues se encargó de 4 de los 14 temas del disco. La prueba la superó con nota dado el éxito del álbum, lo que propició posteriores trabajos para la propia Jennifer y otros artistas tan importantes como Destiny’s Child, Toni Braxton, Marc Anthony o Jessica Simpson.
El primer single de On the 6 fue el tema R&B If you had my love, compuesto por el entonces jovencísimo Rodney Jerkins junto a LaShawn Daniels. Jerkins fue autor y co-autor durante los 90 de sencillos para Vanessa Williams, Brandy, nuevamente Mary J. Blige o Tatyana Ali (la pequeña Ashley de El príncipe de Bel-Air). Aunque su salto al firmamento del R&B llegó un año antes al lanzamiento de On the 6 con It’s not right but it’s okay, single compuesto para Whitney Houston que fue Top 10 en Estados Unidos, Reino Unido y Canadá y le valió a Houston un Grammy en la categoría Mejor Interpretación R&B Femenina en 2000.
If you had my love es heredero del tema de Houston por el marcado estilo R&B y la atmósfera sensual y casi íntima que se desprende en ambas canciones. El videoclip, dirigido por Paul Hunter (Aaliyah, Usher, Missy Elliott, Erykah Badu, Lenny Kravitz), muestra a Jennifer Lopez siendo observada a través de un ordenador por un voyeur encarnado por el actor Adam Rodriguez (actualmente Eric Delko en CSI: Miami) que maneja a Jennifer a través de diferentes estancias minimalistas mientras cambia el estilo de su baile del jazz al house y al latin soul. Estos segmentos fueron remezclados por el DJ puertorriqueño Pablo Flores. If you had my love alcanzó el #1 en Estados Unidos (5 semanas), Australia, Canadá, Holanda, Finlandia y Nueva Zelanda. Fue certificado single de Oro en Francia, Alemania, Suiza, Australia y Nueva Zelanda; y single de Platino en Estados Unidos, donde alcanzó también lo más alto de la lista Dance de Billboard.
El segundo sencillo del disco fue el tema dance Waiting for tonight -quizá el corte más potente del álbum- que contó con un emblemático videoclip típicamente noventero cuya trama discurre en una fiesta en la que afortunadamente no hace su aparición el temido Efecto 2000 de la época. La canción no era un tema original sino una versión del grupo femenino 3rd Party, que la incluyó en su disco Alive de 1997. Sin embargo esta de Jennifer es su versión más famosa, no obstante fue Top 10 en multitud de países como Bélgica, Australia, Finlandia, Canadá, Holanda, Francia, Nueva Zelanda, México, Reino Unido y Estados Unidos y se convirtió en el segundo #1 de Jennifer en la lista Dance norteamericana. El single fue certificado Plata en Francia, Oro en Nueva Zelanda y Platino en Australia.
Simultáneamente al lanzamiento de Waiting for tonight se eligió el dueto No me ames con su ahora marido Marc Anthony para el mercado latino y español. La canción era nuevamente otra versión, en este caso de la balada italiana Non amarmi, interpretada originalmente por Aleandro Baldi y Francesca Alotta –ganadores del premio Artista Revelación del Festival de San Remo de 1992-. El tema se convirtió en un bombazo en las radios latinas norteamericanas, manteniéndose 7 semanas en el #1 de la lista Hot Latin Tracks de la revista Billboard.
El siguiente single fue Feelin’ So Good, título que Lopez quería para el disco y como primer single del álbum y que casualmente falló en las listas. El tema, que contó con las colaboraciones de los raperos Big Pun y Fat Joe, contenía un sample de la canción Set it off (1984), del artista club underground Strafe. Únicamente consiguió una certificación de Oro en Australia, pese a ser un tema alabado por la crítica.
El último single fue Let’s get loud, un enérgico tema de pop-dance latino compuesto por Gloria Estefan y el compositor-productor Kike Santander para el disco gloria! (1998). Jennifer escuchó la canción durante las sesiones de grabación del álbum de la Estefan y quedó tan impactada que le pidió encarecidamente a la cantante cubanoamericana que se la cediese para su inminente debut discográfico. Let’s get loud no entró en el Hot 100 norteamericano pero se convirtió en un éxito en las discotecas de todo el mundo, alcanzó el #1 en España y el Top 10 en Australia (single de Platino), Holanda (single de Oro), Italia y Suiza. Gloria Estefan, que nunca ha lanzado una versión de estudio del tema, la interpretó en directo durante su 90 Millas World Tour (2008-2009).
Otros temas destacables del álbum son dos versiones de Diana Ross, Promise me you’ll try y Theme from Mahogany (Do you know where you’re going to) -ésta última incluida únicamente en algunas ediciones como bonus track-, y otros dos cortes de la factoría Estefan: el romántico Could this be love compuesto por Lawrence Dermer y Baila compuesto por Jon Secada, Emilio Estefan, George Noriega y Randall Barlow e incluido también en la banda sonora de la película Música del corazón (1999).
On the 6 alcanzó el Top 10 en Estados Unidos, Austria, Bélgica, Suiza, Canadá, Holanda y Alemania. Fue certificado 5x Platino en Canadá; 3x Platino en Estados Unidos; 2x Platino en Nueva Zelanda; Platino en Argentina, Holanda, Polonia, Reino Unido y Europa; 2x Oro en Francia y Oro en Suiza, Alemania, Finlandia, Australia y Austria. De él se han vendido hasta la fecha más de 7 millones de copias, siendo un álbum imprescindible para conocer el llamado boom latino de finales de los 90 y primeros años del nuevo milenio.
